jueves, 29 de septiembre de 2016

“Holy Motors” y la fusión de géneros


Pocas veces en la vida aparecen películas tan extrañas como Holy Motors, una producción franco germana del 2012 escrita y dirigida por Leos Carax y protagonizada por el multifacético francés Denis Lavant en no uno, ni dos, ni tres, ¡sino once roles diferentes!

Esta historia es un deconstrucción del cine en general y de la vida cotidiana también. Lavant interpreta a Mr. Oscar, un hombre que a lo largo de su día interpreta varios roles diferentes, aunque no hay cámaras a la vista que puedan estar filmando sus representaciones.

Es además una película que creativamente fusiona prácticamente todos los géneros conocidos dentro de un mismo largometraje: thriller, drama, fantasía, terror, musical, ciencia ficción, comedia, etc. 

Un collage muy loco que funciona dentro del universo extravagante que presenta esta producción.

La cosa va es más o menos así: un hombre (El Durmiente) se levanta y atraviesa un panel secreto en su habitación que lo lleva hasta la parte de atrás de un cine. Luego conocemos a Mr. Oscar, un enigmático personaje que recorre Paris en limusina tomando nueve “tareas” que requieren que él se disfrace y actúe de una vieja gitana, un músico de acordeón, un asesino a sueldo o un horrible leprechaun que rapta a una modelo de modas, entre otras cosas.

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#SpoilerAlert: se revelan algunas partes fundamentales de la trama, aunque no es que importe demasiado porque el principio, nudo y desenlace son una serie de constantes what… the… FUCK…

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Cuando la noche de Mr. Oscar termina (y en el medio le pasan demasiadas cosas insólitas) su chofer lleva la limusina hasta un estacionamiento llamado “HOLY MOTORS”, donde muchos vehículos similares son almacenados. Lo extraño de la película no es que estos vehículos hablen y se preocupen por su jubilación, o que la familia de Mr. Oscar se una mujer chimpancé y pequeños bebitos chimpancés. Lo extraño está en las sutilezas, en los pequeños momentos que van transcurriendo, y en la forma en la que se van combinando varios géneros del cine.


La deconstrucción del cine y de la cotidianeidad

Siendo completamente honesto conmigo mismo: Holy Motors no es la película más llevadera del mundo, y tiene algunas escenas que se vuelven demasiado densas y monótonas. Pero no por eso deja de ser sumamente llamativa.

Lo primero importante es cómo destruye y vuelve a construir nuestra manera de ver y experimentar el cine. Comenzando por una surrealista escena donde un hombre atraviesa un panel secreto para llegar a la parte de atrás de un cine, ya podemos entender que esta es una película sobre “mirar el cine de forma activa” antes que un simple entretenimiento pasivo.

Para empezar, el personaje principal de la película es un actor. Uno que actúa aunque no haya cámaras alrededor, y que ocupa muchísimos papeles a lo largo del día. Sus muertes, por ejemplo, no son un problema, y puede seguir su vida normal luego de recibir una cuchillada en el cuello o ser acribillado a tiros en el pecho.

Mr. Oscar –un nombre muy especial para la industria del cine– pasa por momentos tan intensos como matar a un hombre, ser testigo del suicidio de una amiga, morir de vejez frente a su sobrina (otra actriz dentro de la película) o sacar el dedo de una persona de un mordisco.  Al protagonista parece no afectarle nada de eso. Acá el actor Denis Lavant la gasta asumiendo personajes completamente absurdos y diferentes con cada una de sus asignaciones. Aunque Holy Motors lo muestra de una forma extrema, ¿no tenemos, todos nosotros, máscaras diferentes para cada uno de nuestros momentos del día? Yo, por ejemplo, no “soy” la misma persona en mi trabajo de 8 a 5, con mis amigos, con mi mujer o en mi rol de docente. 

Tampoco soy exactamente el mismo cuando estoy solo que cuando siento encima la mirada del otro.

Si la vida es un gran teatro, todos somos diferentes personajes a lo largo de nuestra existencia, adaptándonos al contexto en el que nos vemos inmersos o dependiendo de las personas que nos rodean. La película alude a estas ideas –de las que hablaron Sartre y otros existencialistas– pero lo hace exacerbándolo, riéndose de las diferentes máscaras que adoptamos, y convirtiéndolo en algo literal. Mr. Oscar literalmente se convierte en otras personas durante el tiempo que dura su representación.

La fusión de géneros en Holy Motors

El collage de géneros que presenta la película es otro de los aspectos más fascinantes. Cuesta agarrarle la mano hasta que uno empieza a captar la esencia de lo que se quiere contar. El director Leos Carax, que no hacía una película desde Pola X en 1999, escribió su historia específicamente para el actor que la protagonizó, y aprovechó la oportunidad para exponer cuantos géneros pudo.


Muchas películas fusionan exitosamente varios géneros. Casablanca es un film noir mezclado con romance, thriller de espionaje y musical (aunque la mayoría la recuerda sólo como una película romántica). Matrix es una película de acción y artes marciales, pero también es ciencia ficción cyber punk y post apocalíptica, aunque no deja de contar con un sinfín de referencias filosóficas y religiosas. Vanilla Sky (una película que ya reseñé en el blog)  es un drama romántico con toques de thriller psicológico y un giro argumental final que la convierte en una historia de ciencia ficción.

Por su parte, Medianoche en Paris se las arregla para colocar fantasía, comedia, romance, drama y ciencia ficción en un paquete que sólo Woody Allen podría manejar. Y no hay dudas de por qué Donnie Darko se convirtió en un clásico de culto: drama, misterio sobrenatural, ciencia ficción, comedia negra, comedia adolescente de tipo coming-of-age, etc.

En Holy Motors la fusión de géneros está marcada por cada una de las tareas asignadas a Mr. Oscar. Los roles son arbitrarios y cada segmento opera acorde a su propia lógica interna. Como si fueran mundos completamente separados. En el curso de un día, Oscar vivió situaciones más extremas que Jack Bauer en nueve temporadas de 24.


A Mr. Oscar tampoco lo dejan ir al baño en todo el día...

Hay dos momentos musicales: un bizarro interludio de acordean (¡que es genial!) y un musical que presenta Kylie Minogue en un pequeño rol. También aparecen una secuencia de ciencia ficción/erótica que involucra captura de pantalla (motion capture) y dos episodios de thriller y acción sobre las actividades de un asesino a sueldo. La historia del leprechaun tiene partes de drama y de terror, y el episodio del hombre muriendo de vejez está inspirado en los clásicos melodramas.

La belleza de actuar

Algo interesante de la historia es que prácticamente nunca tenemos un vistazo hacia la persona real que es Mr. Oscar.  Cuando creemos que estamos viendo a la verdadera persona, resulta ser parte de otra tarea que le asignaron. Su limusina, que funciona  como oficina y sala de vestuario, es el único lugar donde parece que vemos a su verdadero yo.


En una escena memorable, un visitante pasa a ver a Mr. Oscar en su auto-oficina. Parece ser un viejo conocido, aunque nunca queda claro si es un productor, un agente o un representante de la “audiencia” que ve las actuaciones del protagonista. La cosa es que le critica su actuación, le sugiere que se está volviendo viejo y que sus representaciones ya no convencen tanto.  Discuten la evolución de las cámaras, y como se han reducido al punto que hoy son prácticamente invisibles.

Esto es importante: explicaría por qué nunca vemos cámaras en la película, pero también puede ser parte de algo más metafísico. Hoy todos somos más observados que antes: Internet, redes sociales, por ejemplo. El grado de exposición es muchísimo más grande, y no necesariamente porque haya cámaras alrededor nuestro. Estamos siempre siendo vistos, evaluados y juzgados por el otro, aunque no queramos.

Cuando el visitante le pregunta a Mr. Oscar por qué continua haciendo lo que hace, él simplemente responde: “La belleza de actuar”, una confesión (y una devoción al arte) que es quizás la frase más reveladora del personaje y de las intenciones del autor. A lo mejor, Holy Motors es un mundo-teatro donde todos son actores en diferentes papeles, quizás no existe la sinceridad en un mundo donde todo es un acto, pero actuar (es decir, el arte en sí misma) sigue siendo lo más bello a lo que uno puede aspirar.

Palabras finales

Holy Motors tiene muchísima tela para cortar. Su gran mérito es que invita a volverse a ver para poder captar todas sus sutilezas. Hay otros personajes más en la película que no llegué a comentar: Eva Grace tiene un rol chico pero fundamental. Por momentos aparenta ser una fuerza externa que intenta quitar a Mr. Oscar de un trabajo que cree descorazonado y automático. Como resultado termina muriendo.

Nunca se aclara si Céline, la chofer, es sólo una herramienta funcional o parte de algo más grande. Lo cierto es que cuando termina el día, deja la limusina en el garaje y se coloca una máscara. ¿Fue también un rol que representó ante Mr. Oscar? ¿Y qué demonios son todas esas docenas de limusinas guardadas y hablando entre ellas sobre morirse, la vejez, la jubilación y otras cuestiones mundanas?
Es igual de extraño el personaje conocido coloquialmente como “El Durmiente” (Le Dormeur). Lo interpreta el mismo director y guionista y abre la película con una de las mejores y más misteriosas secuencias de la historia.

Holy Motors –un juego de palabras con “Holly Wood”, que también es una fábrica de sueños– tiene lenguaje de cine, pero no es una película sobre cine. Carax creó un mundo extraño y trágico, vibrante y misterioso, perturbador y emotivo, e intenta mostrarnos cómo sería la experiencia de vivir en un lugar así. Busca capturar todo el espectro de las actividades humanas en un solo día. No sé si es un mundo que valdría la pena visitar, pero sí uno para espiar desde atrás de la cortina.

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lunes, 26 de septiembre de 2016

“La Traviata” (1853), de Giuseppe Verdi


El fin de semana pasado en Bahía Blanca se estrenó La Traviata, conocidísima ópera de Giuseppe Verdi que todavía no había tenido posibilidad de ver. Si bien la obra fue escrita a mediados del siglo XIX, hoy sigue siendo relevante debido a las temáticas contemporáneas que aborda. En esta nota vamos a hablar un poquito sobre esta historia atemporal.


De qué va la obra

Dentro del repertorio operístico, históricamente las más famosas siempre fueron las de los italianos Giacomo Puccini (Tosca, Madame Butterfly) y Giuseppe Verdi (Otello, Don Carlo, Rigoletto y La Traviata, entre otras tantas).

En particular, La Traviata (que en español podría traducirse como “La extraviada”) es mundialmente la más conocida, y la que más veces ha sido representada. Su historia inspiró a obras populares y su música es fácilmente reconocible. Díganme si no ubican este fantástico brindis:



La historia de Verdi pertenece al género del melodrama, si bien cuenta con una porción dosificada de comedia. Está contada en los tradicionales tres actos y el libreto de Francesco Maria Piave se basó en la novela de Alexandre Dumas La dame aux Camélias (1852). Violetta Valéry es una cortesana parisina que parece tener todo lo que desea en la vida. Libre de poder estar con quien quiera, su vida da un vuelco cuando el próspero Alfredo Germont le confiesa su amor. Luego de debatirse respecto a si vale la pena abandonar las fiestas, la lujuria y el placer, termina aceptando a Alfredo y se van a vivir juntos.

El conflicto se desata unos meses después (en el Acto II), cuando el padre de Alfredo –Giorgio Germont– se acerca a Violetta y le pide que deje a su pareja. Violetta representa una humillación para la familia Germont (por sus actividades previas) y eso impide que la hermana de Alfredo pueda contraer matrimonio.

Así, ella tiene que decidir si continuar con la solicitud de un padre preocupado o apostar por el amor que nunca creyó posible. En el medio, ella atesora un secreto terrible capaz de modificarlo todo.

La Traviata en Bahía Blanca

Las presentaciones en mi ciudad fueron el viernes 23 y el domingo 25 en el Teatro Municipal. Contó con una musicalización impresionante de la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca y una pequeña participación del Ballet del Sur. 

En los roles principales estuvieron la soprano Marina Silva (en el rol de Violetta Valéry), el tenor Juan Carlos Vasallo (Alfredo Germont) y el barítono Gustavo Gibert (Giorgio Germont), además de un coro formado por más de veinte personas. 

Todas actuaciones soberbias. 

Me llamó muchísimo la atención la ovación (de pie) que brindó la gente al final; emocionaban los aplausos que no cesaban (particularmente hacia Marina Silva, que dio una representación sobresaliente de Violetta).

La puesta escena fue muy sencilla, y acorde al presupuesto que el gobierno designa al arte. Cada acto era adornado con unas sillas, telas y diferentes colores sobre el fondo. Una pantalla en la parte superior traducía al castellano los diálogos en italiano.

Lo curioso de La Traviata, y lo que la volvió una clásico inigualable, es que sus temas son atemporales. En su momento Verdi criticó los valores burgueses predominantes en la sociedad capitalista en el siglo XIX (por supuesto, disfrazados en forma de un drama). Hoy la historia sigue contemporánea por el reciente interés por temáticas feministas, el movimiento #NiUnaMenos y el rol que tienen las mujeres en la sociedad. Violetta es víctima de maltratos y machismos, y son dos los hombres que controlan su vida (padre e hijo).

La obra expone una mirada muy realista sobre la situación de las mujeres. En La Traviata, el lujo, el dinero y la extorsión son bienes de cambio. Hay también todo un contenido simbólico en la puesta de escena que se eligió para Bahía Blanca (únicamente sillas, a veces ocupadas, otras veces no) y en el uso intenso de los colores fuertes (naranja, rojo). Algunas pequeñas subtramas también cuentan un subtexto de mujeres sufriendo.

Respecto a la obra, el maestro Federico Sardella, , titular de la Orquesta Sinfónica, dio en el clavo al resumir:  “el mensaje musical y dramatúrgico de La Traviata tiene muchísima vigencia porque habla del rol de la mujer en la sociedad, también sobre los designios sociales y cuánto hay que obedecer al llamado del corazón”.


Controversia y tuberculosis

Inicialmente, Verdi quiso que la obra estuviera situada en la época actual (1853), pero la temática era demasiado shockeante para que pudiera permitirse. Por ese motivo, las primeras representaciones mostraban una ambientación de un siglo antes. No fue hasta la muerte de Marie Duplessis, la famosa cortesana que sirvió de prototipo para la Violetta de Dumas, que se respetaron los deseos originales del compositor.

Si bien no hay una carga sexual importante en la historia, todo el contexto es lujurioso, inmoral y “sucio”, en particular si nos remontamos a la época. De hecho, La Traviata fue una fuente de inspiración indudable para historias como Pretty Woman (1990) y Moulin Rouge! (2001).

Ambas películas tienen como eje central a una prostituta (en el primer caso, una de Hollywood, en el segundo, una cortesana parisina). Pretty Woman tiene muchísimos paralelismos, ¡y hasta en una escena Richard Gere y Julia Roberts van a la ópera a ver La Traviata!

El caso de la obra de Baz Luhrmann es todavía más interesante. Moulin Rouge es, directamente, una representación más moderna (y musical) de la historia de Violetta. La historia de Satine (Nicole Kidman) y el escritor encarnado por Ewan McGregor funciona como un espejo de la ópera sobre la cual se inspiran. Hasta el trágico final se reproduce con bastante fidelidad.

Y hablando del final (#SpoilerAlert) Violetta termina siendo consumida por la tuberculosis, una enfermedad que se llevó miles de vidas durante el siglo XVIII. Por esa época, nadie entendía bien qué causaba la enfermedad ni cómo era transmitida, por lo que tenía un aire de misterio y fascinación.

Verdi aprovechó el misticismo alrededor de la misma para generar ambigüedad sobre la muerte, una de las más emotivas y mejor desarrolladas de la historia de la ópera.

En esencia, todo el acto III involucra la muerte de Violetta al lado de su amado Alfredo (quien vuelve luego de enterarse la verdad –que su padre la obligó a ella a rechazarlo). Básicamente, es media hora de Violetta muriéndose, llorando, cantando sorprendentemente bien para su frágil estado y finalmente, desvaneciéndose hacia la oscuridad. ¿Murió de tristeza… de falta de amor? El autor pincela esta idea con eficacia, brindando un cierre satisfactorio a las temáticas que plantea a lo largo de la trama.

Palabras finales

► No me considero amante ni conocedor de la ópera, pero disfruté enormemente de este clásico absoluto. Creo que tiene gran riqueza tanto musical y lírica, como también psicológica. Desde lo actoral, Violetta es un papel técnicamente complejo y exigente, y Marina Silva dio una representación fascinante que no voy a olvidar nunca. Quienes tengan posibilidad de verla en sus ciudades, recomiendo no dejarla pasar.

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jueves, 22 de septiembre de 2016

Mis notas de Altapeli.com

Índice de mis reviews de películas y artículos publicados en Altapeli.com.


ARTÍCULOS

 Merchandising en el cine: ¿La culpa la tiene Top Gun?

No, las películas de Hollywood no van a mejorar en ningún tiempo cercano. Hay un montón de razones lógicas por las que los largometrajes modernos son absolutamente estúpidos. El foco hoy no está en la calidad, sino en cuánto merchandising puede generarse. En esta nota te contamos por qué algunos creen que la culpa la tiene Top Gun.


La proyección mundial y limitada de Batman: The Killing Joke tuvo un efecto positivo, a tal punto que ahora hay un entusiasmo por llevar más producciones animadas de este estilo al cine. Por eso, el 17 y 18 de octubre va a proyectarse Batman: Return of de Caped Crusaders. La particularidad está en el regreso de Adam West, el Batman de los ´60s.

El origen de los clásicos

¿Cómo podemos saber si una película se volverá un clásico? Lo cierto es que, en el corto plazo, es imposible. Para ello tenemos que dejarla reposar, como un buen vino, para ver si supera el desafío más implacable de todos: el del tiempo. En esta nota vamos a determinar dónde reside el origen de los clásicos.


La obra de Alan Moore llegó a su fin. O, por lo menos, el legendario (y excéntrico) creador de historietas anunció que se retira del mundo de los cómics para dedicarse a otros medios de ficción como la novela y el cine. Aprovechamos la sorpresiva noticia para repasar sus trabajos más destacables.


Este año DC está jugando todas sus cartas. Sabemos que las cosas no le salieron demasiado bien en el cine (en cuanto a la crítica, no en lo comercial), pero su colaboración con Warner en materia de animación sigue brindando proyectos nuevos e interesantes a la mesa. Próximamente llega la cuarta película del Universo Animado de DC, una que muestra el lado oscuro de la justicia. En esta nota te contamos de qué se trata.


¿Qué define a los placeres culposos del cine? Básicamente se trata de una película que amás ver, pero que lo hacés con cierta vergüenza. Digamos que no la tendrías entre tu colección visible de DVD´s, o que la verías en soledad por miedo a ser juzgado. Los placeres culposos no son necesariamente malas películas, pero el espíritu de la época ha determinado que no son algo por lo que sentirse especialmente orgulloso. Y sin embargo: las amás (en secreto, claro).


Los clásicos son, por definición, obras ampliamente conocidas, consideradas de alta calidad y que han influido trabajos posteriores. Sin embargo, sucede muchas veces que el público casual sólo los ubican a través de homenajes, parodias, alusiones o referencias directas en obras más populares. Y muchas veces tienen conceptos erróneos. En esta nota vamos a hablar sobre la importancia de los clásicos de la ficción.


No resulta tan difícil de comprender el arrebatador encanto por el género de “road movie”. La carretera, el vasto espacio para la reflexión, el descubrimiento personal, el destino. En esta nota repasamos la cinta argentina Historias Mínimas y las películas de carreteras, aquellas donde el argumento se desarrolla a lo largo de un viaje.


En una época en la que los estudios se encaminan furiosamente hacia la búsqueda del próximo cómic o novela gráfica que les rinda comercialmente, Universal Pictures se desvió de la temática superhéroe pero, al mismo tiempo, imita alguna de sus estrategias. En esta nota te contamos de qué se trata el Universo de Monstruos de Universal.


En una entrevista del 2013, Steven Spielberg y George Lucas profetizaron el derrumbamiento de Hollywood en un futuro cercano, principalmente debido a que muchas de las películas consideradas “blockbusters” (súper producciones) van a tener un duro fracaso comercial. Hoy puede ser que estemos comenzando a ver el inminente colapso del cine, y sucedería en el año 2018. En esta nota te contamos por qué.


Sucede una y otra vez en el mundo del cine. Un actor de comedia exitoso de pronto intenta hacer una actuación en el extremo opuesto de su estilo: un rol dramático y más oscuro. Curiosamente, este giro tiene una buena chance de tener buenos resultados y convertirse en la marca permanente del actor. En esta nota te contamos qué es el síndrome de Tom Hanks.


Diez negritos (And Then There Were None) es la novela más vendida de Agatha Christie, y un clásico absoluto de la literatura de misterio. Como tal, su premisa ha sido reutilizada centenares de veces al momento de concebir una historia. En esta nota te contamos cuándo se utilizó la estructura de Diez Negritos en la ficción (televisión y cine).


A lo largo de los años, las películas de Batman han ido pivoteando entre dos polos opuestos: lo oscuro y sombrío por un lado, lo infantil y luminoso por el otro. En esta nota repasamos cómo se fue dando la búsqueda del equilibrio en las películas de Batman.


El thriller psicológico Tenemos que hablar de Kevin (2011) es una de las películas más impactantes de los últimos años. Eva, la madre de Kevin, se esfuerza por querer a su particular hijo a pesar de las cosas perversas y oscuras que hace. La historia explora una temática fascinante: ¿fue Kevin una semilla podrida desde el vamos, o sus acciones se corresponden con una mala crianza?


Una de mis escenas favoritas de Good Will Hunting es aquella en la que el protagonista (un inmenso Matt Damon) le cuenta al psicoterapeuta Sean (protagonizado por Robin Williams) la historia de “El cinto, el palo o la llave inglesa”. Creo que esta escena simple funciona como leitmotiv de la película y resume la esencia del personaje principal.


¿Qué tienen en común Total Recall (la original), Starship TroopersBajos Instintos y RoboCop (otra vez: la original, no la cuestionable remake)? Son todos grandes clásicos de uno de los directores más emblemáticos e influyentes de finales de los ´80 y principios de los ´90. Aprovechamos el reciente estreno de Elle (2016) para repasar la filmografía de Paul Verhoeven.


Luego de grandes tropiezos y películas olvidables que la franquicia de Mortal Kombat ha realizado a lo largo de los años, es paradójico que la mejor película de la saga aparezca como modo historia del último juego, que (por cierto) fue aclamado por la crítica. En esta nota te contamos por qué Mortal Kombat X es la mejor película de la franquicia.


Jasón y los Argonautas fue una revolución absoluta cuando salió en el año 1963. Como película de aventuras –del sub-género “espadas y brujería”– no tiene nada que envidiarle a las producciones épicas más modernas. En esta nota repasamos los efectos especiales en Jasón y los Argonautas.


La obra maestra de Mike Nichols El Graduado (1967) es una de la más icónicas de la historia del cine, con prácticamente cada escena imitada y parodiada por actores, directores y escritores por más de 50 años. Durante mucho tiempo, los espectadores han quedado sin habla debido al confuso desenlace. En esta nota te contamos una explicación sobre el final de El graduado.


Doce extraños, que forman parte de un jurado, deben convencerse uno a otro para determinar si un chico que fue acusado de asesinar a su padre es culpable de homicidio. Esta es la premisa de 12 Angry Men, dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por el mítico Henry Fonda.


En estos días se estrena Warcraft, la película del director Duncan Jones (Moon,8 segundos antes de morir) basada en el conocido juego de RPG creado por Blizzard. Para el espectador casual, quizás la historia pueda resultar confusa. Por eso, en Altapeli te contamos algunas cosas que tenés saber sobre la adaptación de Warcraft, antes de verla en los cines.


Se viene el ESPERADÍSIMO final de la serie más exitosa de la TV actual. Va a terminar, sin duda, dejándonos un vacío en el alma. Pero eso no significa que dejemos de ver a nuestros actores preferidos. En Altapeli te contamos cuáles son los próximos proyectos del elenco de Game of Thrones.


A cualquier lugar al que dirigimos nuestra mirada, hay otro libro que está siendo llevado a la pantalla grande. No es una novedad decir que rara vez se adapta contenido que no tenga un potencial comercial y sea mundialmente conocido. En esta nota quiero mencionar 5 fascinantes historias que merecen llegar al cine tanto como cualquier otra.


En un año sobrecargado de superhéroes en el cine, llegaron nuevos detalles de “Batman: The Killing Joke”, la esperadísima adaptación de la novela gráfica de Alan Moore. Hay muchísimas expectativas puestas en esta historia y recientemente se anunció que, por primera vez en  23 años, va a ser estrenada en algunos cines de Estados Unidos.


Hubo un efecto muy curioso que ocurrió con la ciencia ficción de fines de los ´90. “Matrix” (1999) llegaba para romper con todo. Con un concepto altamente original, efectos especiales que definieron una época y algo de filosofía barata en el medio, los hermanos Wachowski crearon una obra que pegó fuerte en todos los espectadores (y no sólo en los amantes del sci-fi). El éxito de Matrix fue tan devastador que incluso opacó a sobresalientes producciones del género que salieron más o menos al mismo tiempo. En Altapeli te contamos cuáles son.


Los fans de Stephen King no podrían estar más contentos. La adaptación de La Torre Oscura –la obra maestra de fantasía épica que le llevó más de 30 años terminar– se está filmando en estos días y se estrenará en el año 2017. En Alta Peli te contamos todo lo que se sabe hasta el momento de esta inmensa saga de ocho partes.


Creer o reventar. ¿Recuerdan cómo los estudios de Hollywood y todos los fans vienen pidiendo una película basada en “Tetris”, el videojuego más famoso de todo el mundo? Ah, claro: no lo recuerdan porque nunca paso. ¿Pero a quién le importa? Gracias al productor Larry Kasanoff, vamos a estar teniendo una adaptación al cine de Tetris, tendrá un enfoque de ciencia ficción y –oh, por Dios– va a ser una trilogía.


Luces, coreografías, drama, romance y musicales son algunos de los clásicos componentes de cualquier película india. El cine de Bollywood –fusión entre Bombay, donde originalmente se ubicaban los estudios en los años ´70, y Hollywood– ha paseado por todos los géneros y logró traspasar fronteras. Sin ir más lejos, en el festival 66° de Cannes se celebraron los 100 años del séptimo arte de India. En esta nota te recomendamos tres excelentes películas del cine hindú.


Oh… superhéroes. Sus capas flameantes, su imparable sentido del heroísmo, su tendencia a utilizar poderes atribuibles a un Dios para el bien de la humanidad. Marvel lo hizo en el cine live-action y DC lo viene haciendo con el cine de animación. Ambos han sabido aprovechar el impulso de Batman, Superman, Spider-man, los Vengadores, los X-Men y demás productos de sus franquicias. Sin embargo, existen muchas películas de superhéroes diferentes para el público y que, verdaderamente, también valen la pena. En esta nota recorremos algunas de nuestras favoritas.


Es indiscutible que hay grandes joyas del cine adolescente, pero una que se mantuvo bien escondida –y que además representa una de mis películas favoritas de todos los tiempos– siempre fue 100 mujeres (2000). Dirigida por un desconocido Michael Davis, la encontré de casualidad en HBO durante mi adolescencia y la he vuelto a ver (con grupos diferentes) a lo largo de toda mi vida, especialmente para charlar la temática de la guerra de los sexos.


Si te considerás fan de los nostálgicos videojuegos de 8 y 16 bits, y tenés un amor especial para la cultura pop de los 80´, seguramente te enteraste de Ready Player One, la primera novela de Ernest Cline que se convirtió en best-seller en el 2011, el mismo año en el que vio la luz. Naturalmente, en la obra hay más que un par de referencias a los trabajos de Steven Spielberg durante la gloriosa época ochentosa, y por eso parece ser la elección perfecta para dirigir la adaptación de Ready Player One que veremos en el año 2018.


No es noticia: estamos en una época muy particular del cine donde las obras originales son exotismos, y las secuelas, precuelas y sagas están a la orden del día. A su vez, los directores se agarran, cada vez con más fuerza, de material ya escrito en otros medios de ficción: cómics, novelas y obras de teatro, por ejemplo. Siendo este el caso, ¡qué mejor que subirse a los hombros de Cormac McCarthy, uno de los escritores más importantes de la literatura norteamericana!


REVIEWS

 Los inocentes” (2016)

Los Inocentes presenta un interesante drama de terror gótico situado a mediados del 1800 en una Argentina imaginaria y todavía salvaje. Una esclava negra vuelve de la muerte para cobrarse venganza de los prósperos dueños de una estancia que la maltrataron en vida.

Arte = 100
Relato = 70
Performance = 70
Calificación = 80%

 Olvídalos y volverán por más” (2016)

Filmado en varios paíes, Olvídalos y volverán por más expone los impactos sociales, económicos y ambientales de la megiminería como herramienta del neoliberalismo que explota, contamina y saquea.

Arte = 30
Relato = 30
Performance = 30
Calificación = 30%

Los ausentes” (2016)

En Los Ausentes, varias historias confluyen en un pueblo perdido en el tiempo. Mientras una pareja comienza a disolverse, un misterioso hombre llega en busca de la mujer que lo abandonó, y un sobreviviente de un accidente dedica sus noches a tramar un extraño plan.

Arte = 65
Relato = 40
Performance = 60
Calificación = 55%

Satanic” (2016)

En Satanic, cuatro amigos de vacaciones se detienen en Los Ángeles para hacer tour por los lugares más ocultistas de la ciudad. Allí conocen a una misteriosa joven que los lleva hacia los abismos del mismo infierno.

Arte = 40
Relato = 50
Performance = 20
Calificación = 40%

Tallulah” (2016)

Desesperada por deshacerse de su bebé, una ama de casa insatisfecha contrata a Tallulah, una extraña que debe cuidarlo mientras ella tiene una cita. Sin embargo, cuando regresa borracha descubre que su pequeña fue robada.

Arte = 60
Relato = 60
Performance = 85
Calificación = 65%

Bien de familia” (2016)

La ópera prima de Eugenia Fontana y Dearriba Contenidos nos sumerge en un paisaje de pueblo. Luego de la muerte de su padre, tres hermanos se ven obligados a volver a convivir y a decidir qué hacer con la herencia familiar: un Trencito de la Alegría.

Arte = 70
Relato = 20
Performance = 30
Calificación = 40%

La Helada Negra” (2016)

La Helada Negra nos habla de Alejandra (Ailin Salas), quien llega misteriosamente a un lugar estancado en el tiempo, un área rural de Entre Ríos (Argentina) poblaba por descendientes europeos. Cuando la joven parece tener un efecto positivo sobre los cultivos, surge un rumor entre los aldeanos sobre la posibilidad de que se trate de una santa que viene a salvarlos.

Arte = 90
Relato = 50
Performance = 50
Calificación = 60%


Directamente desde Francia llega La ilusión de estar contigo, historia inspirada en la obra maestra de Gustave Flaubert. La tranquila vida de Martin, un panadero de pueblo, cambia por completo el día que conoce a su nuevos vecinos, los británicos Gemma y Charles Bovery.

Arte = 80
Relato = 70
Performance = 60
Calificación = 70%

Il Solengo” (2016)

 Il Solengo es un documental italiano que pone en primer plano la leyenda de Mario de Marcella, un ermitaño que vivió en un pequeño pueblo a 60 km de Roma y optó por una vida de aislamiento y reclusión. Las personas que lo conocieron despliegan el enigma que lo rodeó y su extravagante personalidad

Arte = 70
Relato = 45
Performance = 50
Calificación = 55%

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lunes, 19 de septiembre de 2016

10 reglas de escritura de Elmore Leonard


«Estas son las reglas que he ido recogiendo en el camino para ayudarme a permanecer invisible cuando estoy escribiendo un libro, para ayudarme a mostrar lo que está sucediendo en la historia en lugar de contarlo.»—Elmore Leonard.

Elmore Leonard fue un novelista y guionista norteamericano que falleció en el año 2013. Comenzó como un escritor de westerns, pero se volvió más famoso cuando se volcó hacia policiales. Una gran cantidad de sus trabajos han sido adaptados tanto a la pantalla grande como chica. Seis décadas después, su trabajo sigue siendo relevante.

Directores tan opuestos como Steven Soderbergh, John Sturges y Quentin Tarantino han sido influenciados por la obra de Leonard. Tarantino, en particular, robó accidentalmente una novela de este autor cuando era chico (era The Switch, de 1978), y la película Jackie Brown también es una adaptación suya.

Entre las adaptaciones más conocidas de Leonard se encuentran El tren de las 3:10 a Yuma (relato de 1953 que fue adaptado al cine en 1957 y, de nuevo, en el 2017), las geniales Get shorty (1995) y su continuación Be Cool (2005) y la serie de TV Justified (2010-2015).

Justified es una de las series policiales que más lograron engancharme. Toma como punto de partida tres de sus novelas cortas: Fire in the Hole, Pronto y Riding The Rap. En ellas aparece Raylan Givens, un sheriff-cowboy (en el sentido más literal de la frase) que tiene una forma de trabajar más cercana al siglo XIX que a nuestros tiempos. El personaje –que en la serie lo encarna un increíble Timothy Oliphant– no tiene demasiados problemas en desenfundar su pistola y disparar cuando la ocasión lo amerita (y eso es muy seguido).


Me encanta cómo la serie fusiona el policial con el western. Adoro a todos los personajes (Walton Goggins como Boyd Crowder, especialmente) y me gusta que es corta: 6 temporadas de 13 episodios. Eso hace que no se den demasiadas vueltas ni existan prolongados momentos de relleno.

Pero, en fin, volvamos a las 10 reglas de Elmore Leonard para escribir bien, tomadas de un artículo del New York Times.

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1. Nunca empieces un libro con el tiempo.
Cuando busques crear una atmósfera (y no la reacción de un personaje ante el tiempo) asegurate de que no se estire demasiado.
2. Evitá los prólogos.
Resultan molestos, especialmente si el prólogo viene seguido de una introducción que también tuvo un prefacio. Es entendible en novelas históricas o ensayos, pero siempre puede introducirse en la historia.
3. No uses un verbo distinto a “dijo” para introducir un diálogo.
El diálogo es del personaje, y el escritor debería meterse lo menos posible. “Dijo” es mucho menos intrusivo que “mintió”, “advirtió”, “se quejó” o “susurró”.
4. Nunca uses un adverbio para modificar el verbo “dijo”.
“Lo criticó seriamente”. Usar un adverbio de esta forma (o casi de cualquier forma) es un pecado mortal. Distrae, irrumpe y viola el ritmo de la conversación.
5. Mantén tus signos de exclamación controlados.
El autor aconseja no más de dos o tres por cada 100.000 palabras escritas.
6. Nunca utilices expresiones como “de repente”.
No son tantas las cosas que ocurren “de pronto” o “de repente”. La mayoría de las veces se utiliza de forma incorrecta en la narración.
7. Usá los dialectos con moderación.
No está mal querer darle una forma particular de hablar a un personaje, pero una vez que uno empieza a escribir mal (a propósito) las palabras, se vuelve difícil parar.
8. Evitá las descripciones detalladas de los personajes.
Una abundancia de descripción aburre. Estas deben estar en función de la historia, y no como una mera forma de llenar más páginas.
9. No entres en detalles al describir lugares y objetos.
En sintonía con el consejo anterior, no querés que las descripciones lleven la acción hasta un punto muerto.
10. Intentá quitar la parte que los lectores tienden a saltarse.
Pensá en esas cosas que vos salteás cuando leés una novela: esos gruesos, aglomerados, rellenos párrafos de prosa que no dicen nada ni avanzan la trama. Evitalos.

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Por supuesto, las reglas que Elmore Leonard tiene para su escritura son eso: reglas que a él le dieron resultado. Incluso algunas son fuertemente desaconsejadas por otros autores. En algunos casos es importante diferenciar el “dijo” del “susurró”. El narrador tiene que ser portavoz de sus personajes, y poder transmitir el tono de lo que está sucediendo en su historia.


El estilo de cada escritor se forma solo, a través de las múltiples experiencias de vida que ha tenido, con la influencia de sus lecturas, con la retroalimentación de sus lectores, con práctica y más práctica. Al final del día: todo es emoción y ritmo. Si diez personas pintan un cuadro, vamos a tener diez cuadros absolutamente diferentes, cada uno compuesto con pinceladas diferentes.

Bajo la premisa de que cada obra literaria es única e irrepetible –y que es el desenlace de un proceso individual de producción creativa– cada escritor va construyendo su propio camino a medida que crece.

Así y todo, conocer qué piensan los grandes autores de nuestros días (y ejercitarse con sus consejos) siempre va a ayudar a encontrar nuestras propias reglas de escritura.

Ah, y denle una chance a Justified. ¡Hasta la próxima!


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