jueves, 22 de junio de 2017

“Batman: el Largo Halloween”, una novela gráfica de Jeph Loeb


«Creo en Batman. Creo en Harvey Dent. Creo que Ciudad Gótica

El Largo Halloween (1996) es considerada una de las novelas gráficas esenciales de Batman y es la que más influyó, en buena medida, a la trilogía de Nolan. 

Se trata de una mini-serie escrita por Jeph Loeb y dibujaba por Tim Sale que cuenta con 13 tomos.

Igual que lo haría años más tarde el mismo Jeph Loeb en Batman: Silencio (novela que reseñé en esta nota), El Largo Halloween es el retorno de Batman a su vertiente más detectivesca.

La historia nos muestra cómo el enmascarado Batman, el policía Jim Gordon y el abogado Harvey Dent comienzan una cruzada contra el crimen organizado mientras que un asesino mata a miembros de la mafia en cada una de las fiestas que le siguen a ese primer Halloween.

Esta novela gráfica funciona como precuela de Batman: Dark Victory y además como una pseudo secuela de Batman: Año Uno, el inmortal cómic de Frank Miller, donde se introdujo inicialmente al mafioso Carmine “el Romano” Falcone.

Es Halloween en Ciudad Gótica y el cadáver de Johnny Vitti, sobrino del intocable jefe criminal Falcone, aparece en su bañera. El misterioso asesino utilizó una pistola .22 y un chupete como silenciador.
  
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La trama de “El Largo Halloween”

Cuando un segundo cadáver aparece en el día de Acción de Gracias, la prensa bautiza al asesino como “Holiday” ("Vacaciones", o “Festivo”, según algunas traducciones). 


Batman, que había hecho un pacto con Harvey Dent y Jim Gordon para detener el avance del crimen organizado en Gótica, tiene que dividir su tiempo entre atrapar a los gangsters y buscar la identidad del asesino serial.

Dentro de esta trinidad por la justicia, cada parte cumple un rol. Son las tres facultades y funciones primordiales del Estado. Si Batman es el poder ejecutivo, dotado de medios inabarcables a lo largo de su empresa; Jim Gordon es la voz de la razón, el poder legislativo. 

Por último, Harvey Dent es el arrebato, el deseo de triunfar rápido, sólidamente. Es la impaciencia. Representa al poder judicial, decidiendo (especialmente convertido en Dos Caras) quién vive y quién muere.

Dos de ellos (Batman y Dent) tambalean en una cuerda floja. Están al borde del abismo. Solamente uno de ellos va a caer, transformándose en todo aquello que juró combatir. Porque, claro, El Largo Halloween es también la historia del origen de Dos Caras. Y de alianzas cruciales, ya que el cómic habla de la importancia de la lealtad, de lo importante que es la confianza, y de cómo ellas son también armas de doble filo.
                        
Reseña de “El Largo Halloween” (sin spoilers)

No fui fanático de los diseños y dibujos de Tim Sale.

Batman se ve increíble, pero algunos villanos tienen un físico desproporcionado y no convencen. Por ejemplo, el Joker me parece horrible y Gatúbela –el peor diseño de todos– tiene una cola de gato y bigotes. ¡Bigotes! (Por cierto, el rol de Gatúbela en la historia nunca queda del todo claro).

Los dibujos tampoco son especialmente buenos, aunque sí se destaca la estética de cine negro que presenta a Ciudad Gótica como un lugar retorcido, lleno de niebla que podría salir de las innumerables alcantarillas o de la misma cabeza de los protagonistas.

Por otra parte, el asilo Arkham, que tiene un rol clave en la historia, es una edificación surrealista que recuerda al cine expresionista alemán.

La estética es muy destacable, ciertamente. Hay mucho del policial negro acá, comenzando por el hecho de que el título es un guiño a la novela de Raymond ChandlerEl largo adiós”. Chandler fue una de los principales expositores de la novela negra, por lo que la referencia es más que adecuada.

Este género muestra a personajes de moralidad ambigua, detectives duros que se hacen de las pistas para avanzar en la investigación utilizando más los golpes y la violencia antes que la razón pura.

El Largo Halloween es, en esencia, un entramado policial donde el primer capítulo presenta a un asesino despiadado que no descubriremos hasta el último momento. Todos son sospechosos, generando una intriga donde cualquiera podría ser el responsable (lo que en la jerga se llama un relato whodunnit –quién lo hizo).

Hay otro guiño interesante y es al escritor ruso Fiódor Dostoievski. El primer capítulo se llama “Crimen” y el último (el capítulo trece) es “Castigo”. La novela Crimen y Castigo –una de las más importantes del autor– nos habla de un estudiante, Rodión Raskólniko, quien se ve forzado a cometer un asesinato.

El crimen lo deja en un estado de gran confusión. Durante muchos días sufre fiebres delirantes, vaga sin rumbo y va perdiendo la noción de la realidad. La novela exhibe de qué manera una mente brillante se va perturbando por un crimen, algo que también ocurre en El Largo Halloween.

Jeph Loeb hace un uso amplio de la galería de villanos de Batman, algo que parece ser su marca registrada (lo hizo también en Batman: Silencio). 


Cada tomo tiene a algún villano como protagonista. El autor se toma el tiempo para permitir que estos marginados transiten por la ciudad, trayendo desorden y caos, para finalmente unirlos en un grupo de villanos bajo el mando de Dos Caras.

Vemos pasar a Hiedra Venenosa, al Sombrerero Loco, al Espantapájaros, Gatúbela, el Joker, etc, etc. Algunos tienen su razón de ser en la historia. Otros, francamente, no tanto.

Y ya que estamos, es imposible pasar por alto cuán fuerte fue la influencia de El Largo Halloween en la trilogía del caballero oscuro de Christopher Nolan

Desde el pacto entre el trío protagonista en aquel tejado (escena que está realizada casi plano a plano y diálogo a diálogo en The Dark Knight, 2008), hasta la masiva fuga de Arkham que se puede ver en Batman Begins. Incluso la frase “I Believe in Harvey Dent” está tomada de esta historia.

Se le pueden hacer muchas críticas al cómic. Ya hablé de los diseños de personajes horribles que tiene. También hay quizás demasiada inspiración en El Padrino, tantas que algunos críticos han considerado que se trata de un plagio desvergonzado.

Yo creo que, si bien la trama no deja de tener cosas sin sentido y estúpidas –como el momento en el que Holiday le perdona la vida al Acertijo, y dispara a todos sus costados. O la aparición de ciertos personajes que no aportan a la trama–, se trata de un misterio muy bien construido. El final abre las puertas a muchas interpretaciones, hay diálogos fascinantes y buenos giros argumentales.

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A partir de acá se presentan #Spoilers, se revelan porciones importantes del argumento. Si no leíste la historia y no querés arruinarte algunas sorpresas, no sigas leyendo.

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Los asesinatos de Holiday

La identidad del asesino es el mayor misterio de la historia. Su modus operandi es siempre el mismo: utiliza una liviana pistola .22 (usando la tetina de goma de un biberón como silenciador) con el mango grabado y el número de serie limado. Además deja un souvenir representativo del día festivo en el que mató.


La ola de crímenes de Holiday se extiende a lo largo de 13 meses, con el único día festivo sin un asesinato siendo el Día de los Inocentes (donde el asesino se enfrenta al Riddler pero lo deja con vida, en el espíritu de las fiestas) y Nochevieja donde la "víctima" más tarde resulta aparecer viva.

Puntualmente, estas son las víctimas de Holiday:

  • Halloween: Johnny Viti (Sobrino de Carmine Falcone), que había amenazado con declarar contra su tío en un momento.
  • Día de Acción de Gracias: Los Irlandeses (banda de asesinos irlandeses contratados por Falcone para matar a Harvey Dent).
  • Nochebuena: Milos Grapa (Guardaespaldas personal de Falcone).
  • Nochevieja: Alberto Falcone (Hijo de Carmine Falcone).
  • Día de San Valentín: Gángsters contratados por Maroni.
  • Día de San Patricio: Un gran número de hombres de Maroni.
  • Día de los Inocentes: El Riddler (adrede sale ileso)
  • Día de la Madre: El Armero (propietario de una tienda que hacía las armas de Holiday).
  • Día del Padre: Luigi Maroni (Padre de Salvatore Maroni).
  • Día de la Independencia: Jasper Dolan (Forense de ciudad Gótica).
  • Cumpleaños de El Romano: Carla Viti (Hermana de Falcone y madre de Johnny Viti).
  • Día del Trabajador: Salvatore Maroni.
  • Halloween: Carmine Falcone y Vernon Fields (asistente corrupto del fiscal de distrito Harvey Dent).

¿Quién es Holiday?

Puede haber gente que no esté de acuerdo, pero para mí el desenlace ambiguo es una de las mejores cosas que tiene El Largo Halloween.

Hay varias pistas falsas que van apareciendo para profundizar el misterio. Al final, Alberto Falcone confiesa ser Holiday (si bien previamente pareció ser una víctima del asesino). Sin embargo, Gilda Dent dice más tarde (y únicamente a los lectores) que es la responsable de los tres primeros asesinatos. 

Por otro lado, Dos Caras asume brevemente el papel también.

Entonces: ¿quién era Holiday en realidad? 

El mismo Dos Caras afirma que había dos “Holidays” (probablemente haciendo referencia a su propia esposa). Lo cierto es que nunca queda confirmado, y no podemos asegurar si todos fueron el asesino en algún momento o a quién mató cada uno.

Quizás la identidad no sea lo importante, sino lo que representó el evento para ciudad Gótica. Esa charla en la azotea en el capítulo final, con Harvey Dent ya convertido en Dos Caras, es alucinante porque los tres protagonistas se plantean si todo esto valió la pena.

Sí, el imperio mafioso de Carmine Falcone cayó y la ciudad ya está libre de ese mal. Pero en el transcurso, una buena serie de villanos surgió, Harvey Dent fue superado por su costado maligno y las posibilidades de limpiar Gótica son todavía menores. Toda esa conversación es fascinante.

«Batman: la promesa que nos hicimos para hacer caer a Falcone. Lo que nos costó. Harver…
Gordon: si me estás preguntando “¿Ganaron los buenos?” Sí, ganaron los buenos, Batman. Pero no sé si valió la pena por demasiado tiempo…»

Palabras finales

Sombras y siluetas se funden entre los lápices de Tim Sale mientras que Jeph Loeb narra un enigma con ritmo cinematográfico.

Este cómic es uno de los buenos porque balancea muchas historias de forma orgánica. Mientras vemos la caída del imperio mafioso Falcone y la transformación de Harvey Dent, tenemos los conflictos internos de Bruce Wayne (otra persona importante que logra separarse de su contraparte heroica) y su relación con Selina Kyle.


En el medio está el Joker con su investigación particular (“esta ciudad no es lo bastante grande para dos maníacos homicidas”), el Espantapájaros y el Sombrerero Loco asaltando bancos como si no hubiera mañana, Hiedra Venenosa seduciendo a Wayne y hechizándolo, Solomon Grundy paseando por las alcantarillas de la ciudad y El Hombre Calendario haciendo de consejero (al mejor estilo Hannibal Lecter) del Caballero Oscuro.

Es brillante la forma en la que tantas historias confluyen en un solo gran arco argumental. A veces no funciona del todo, y confieso que no amé el diseño de personajes o los dibujos. Pero no niego que se trata de una gran historia que disfruté un montón. Título muy recomendable dentro de la bibliografía de Batman.

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lunes, 19 de junio de 2017

“La insoportable realidad del grupo de Whatsapp” (cuento)

Hoy les comparto un nuevo cuento de tinte humorístico. Una de esas conversaciones que no llevan a mucho tratando de llegar a alguna parte. Si se quiere, una suerte de crítica paródica al sinsentido de la comunicación actual. En fin, cada uno sacará sus propias conclusiones.


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“La insoportable realidad del grupo de Whatsapp”

MATI
Pensábamos hacer sábado de after-office en el bar Estruendo, despedida de Javier. ¡Vamos a comer gente!. Podemos ir todos.

PABLO
Voy.

ADRIÁN
Dale, me sumo.

JOACO
Che, ¿"comer gente"? No sé si Javier aprueba el canibalismo. Mejor comamos rabas, ¿no? Qué se yo, se me ocurre.

FLOR
¡Hola queridxs chicxs! ¿Todos y todas?

EDU
El Estruendo se llena de negros.

JOACO
Sí, nena, las letras no son sexistas. Si querés educar en la inclusión, no necesitás escribir como si tu teclado fuera una ruleta rusa.

PABLO
Vos sos negro, Edu, ¿qué te molesta?

SEBA
Sí, igual un “after office” un sábado va en contra del concepto de “after office”.

VERO
¡Holis! Tengo planes, ¿y el viernes?

EDU
Yo el viernes puedo, pero metamos otro bar.

FLOR
Sos un tarado, Joaquín.

MATI
Bueno, decidan, ¿viernes o sábado?

PABLO
Viernes complicado.

FLOR
Puedo los dos días, ¿adónde quedamos?

JAVIER
Gracias. Igual yo no puedo. Me voy todo el finde a pescar.

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jueves, 15 de junio de 2017

Dragon Ball Super ya no apesta (y además es genial)


No pienso retractarme de la nota sobre Dragon Ball Super que escribí en el 2015 (5 motivos por los que Dragon Ball Super apesta).

En aquella época, la esperada continuación de los eventos de Dragon Ball Z estaba mal animada, repetía las mismas historias de las dos películas (La Batalla de los Dioses y La Resurrección de Freezer) e insultaba a los fans con relleno estúpido, personajes actuando muy lejos de sus contraparte en Z y.. ¿dije que estaba realmente muy mal animada?

Sin embargo, contra todo pronóstico ahora está acercándose a su tercero año en emisión (casi cien capítulos). 

Lo que es todavía más llamativo es que es una de las series de animé más populares y su más explosivo arco argumental (la Saga de la Supervivencia Universal) está por arrancar con todo.

Es el primer animé que veo los fines de semana cuando se estrenan los cuatro que estoy siguiendo en la actualidad.

Dragon Ball Super me genera tanto odio como amor. Pero cuando genera amor, genera mucho amor. El último episodio fue uno de los buenos: nos reunió nuevamente con Freezer, el Freezer villano que todos conocíamos (no el que habían masacrado con su resurrección) y brindo muchos encuentros memorables (Roshi y Karim, Piccolo y Androide N° 17, Freezer y Goku, etc).


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Estos son los motivos por los que creo que Dragon Ball Super no sólo ya no apesta (tanto), sino que además es bastante genial. Por cierto: #Spoilers.

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Los arcos argumentales hasta ahora

La comunidad en general está de acuerdo en que Dragon Ball Super comenzó a levantar (y mucho) cuando llegó el primer arco argumental completamente nuevo: El torneo del Universo 6.

Esto significa, en esencia, que puede comenzar a verse Dragon Ball Super desde el capítulo 28 (habiendo visto antes las dos películas predecesoras) y no te perdés de nada. Es más, hasta yo recomiendo hacerlo para no decepcionarse en demasía.


“El torneo del Universo 6” (19 episodios) tuvo sus momentos olvidables (hay que acostumbrarse a desenchufar completamente el cerebro con esta serie, o las desilusiones van a ser grandes) pero también brindó muy buenas peleas.

El climax de Goku contra Hit fue cuando, por primera vez, sentí que estaba reviviendo Dragon Ball Z en sus mejores momentos.

Además, Vegeta recuperó su estado de personaje cool, conocimos el multiverso, a otros dioses (¡el debut de Zen-Oh!) y a algunos personajes con habilidades interesantes.

Luego llegó la Saga de Black Goku, lo mejor que le pasó a Super hasta ahora.

Son 30 capítulos bien animados y, en general, muy satisfactorios. El regreso de Trunks del futuro, un misterio atractivo, nuevas transformaciones y peleas muy copadas: Vegito Vs. Zamasu, la pelea cooperativa de Goku y Trunks contra Zamasu, etc.



Post-Black Goku llegaron mini arcos y rellenos de todo tipo. Algunos son muy divertidos, otros son obras maestras de la comedia (¡el episodio de Baseball está al nivel del mítico capítulo donde Goku y Piccolo aprenden a manejar!) y unos tantos para el olvido.

El nuevo y venidero arco argumental, un torneo masivo donde 120 luchadores van a competir en una misma arena para asegurar la supervivencia de su universo, está por dar comienzo. ¿Qué mejor momento para hablar de lo que hace que Dragon Ball Super sea (ahora) una gran serie?

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Captura el espíritu del Dragon Ball original

Para aquellos que crecimos con Dragon Ball Z, el animé original que muestra la juventud de Goku está medio perdido en la memoria. Lo vi todo por Magic Kids, pero no está cerca de la cantidad de veces monstruosas que vi DBZ.

Una de las cosas que Dragon Ball Super hace muy bien es recuperar ese espíritu aventurero que tenía la original. Más allá del fanservice nostálgico (ya hablaremos de eso luego) acá nos brinda pequeñas aventuras que expanden el universo de la serie, mostrándonos más el día a día de cada personaje y sus conflictos.

Los episodios que le devuelven el status a Gohan o a Krillin son maravillosos. También lo son el encuentro entre Trunks del futuro y Gohan o los episodios enfocados en Piccolo y Vegeta. Si bien no todos estos rellenos son buenos, las peleas han tomado un lugar más secundario, y la fantasía y el humor subieron a la cabeza.

Sin ir más lejos, en Super volvieron también los torneos.

En el Dragon Ball original tenías un torneo zarpado luego de cada gran arco argumental, y eran excelentes. Los Tenkaichi Budōkai Tournaments generaban peleas entre compañeros, nuevos enemigos y diversión asegurada.

A partir del éxito de aquella clásica serie, meter torneos en un animé se volvió un tópico común. Lo hiieron Naruto, One Piece, Fairy Tail, The Seven Deadly Sins y My Hero Academia, entre tantos otros animés.

Dragon Ball Super recuperó estos torneos que estuvieron inexistentes en Dragon Ball Z (los juegos de Cell y el torneo N° 31 no cuentan realmente). De hecho, el torneo entre el Universo 6 y el Universo 7 marcó el momento en el que Super valió la pena en serio.

El fanservice (no del tipo que estás pensando)

Akira Toriyama y el resto del equipo entienden que le deben todo a sus fans, y por eso están dándonos exactamente los momentos que queremos ver.

Han deshecho todo lo desastroso de los primeros dos arcos, devolviéndonos la esperanza. ¿Gohan es un pelele que no quiere pelear? Ahora volvió a su forma más fuerte (la que tuvo al pelear con Magin Boo). ¿Krillin está con pelo y labura de policía? Ahora volvió a ser el buen Krillin de siempre.


 ¿Querías ver a Gohan y Piccolo contra Goku y Tien Shin Han? Tomá...

¿Qué me dicen de Yamcha? Nos encanta reírnos de él, así que Toei Animation hace exactamente eso. Le dan más duro que al abuelo de los Simpson. ¿Querían grandes encuentros? ¿Roshi volviendo a sus raíces de peleador? ¿La Super Saiyajin mujer? Ahí tienen todo.

Admito que no todo funciona, y que varias veces meten la pata bien hasta el fondo. Pero lo cierto es que le están metiendo pila para que la cosa funcione. Dragon Ball Super es un producto para fans, y los fans están respondiendo cada vez mejor. Honestamente, la serie ya es otra cosa en comparación con su desastroso comienzo.

El regreso de la diversión

Como resultado de todo lo anterior, tenemos un animé que es divertido, a veces sorprendentemente ingenioso y cada vez mejor animado. Además se ha vuelto muy metatextual, muy consciente de sí mismo.

En este momento, es un producto bueno porque está evolucionando y respondiendo a su audiencia. Se ríe de sí mismo, no se toma demasiado en serio y brinda buen entrenamiento semana a semana, exactamente como cuando éramos chicos.

Al final del día, Dragon Ball Super dejó de apestar porque se mejoró la calidad (desde aspectos técnicos) y especialmente porque reconoció sus errores y trabajó para mejorarlos.

Hoy me dan ganas de ver cada capítulo siguiente, aunque me enoje que la transformación en Super Saiyajin sea “sentir una picazón en la espalda”, que algunos rellenos sean un insulto a la inteligencia o que el diseño de personajes nuevos deje mucho que desear. 

Es el animé que amo odiar y odio amar.

Ojalá que la cosa siga así para la serie. Estoy con muchas expectativas de ver cómo trabajan con este nuevo arco argumental.

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Antes: animación hecha en Paint...

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martes, 13 de junio de 2017

“Psicosis” (1960): el legado de Alfred Hitchcock


Indiscutiblemente la película más popular de Alfred Hitchcock (lo que no necesariamente indica que sea la mejor), Psicosis allanó el camino para el cine de terror slasher, las películas con finales sorpresa (twist endings) y dejó en la mente de los espectadores algunas de las escenas más memorables de la historia del cine.

Hoy le toca el turno al gran clásico de Hitchcock. 

Una película que está lejos de ser su mejor producción (películas como Vertigo, La ventana indiscreta, Rope y Lifeboat son mucho más memorables) pero que se destacó por dejar un legado importante y definitivo en el séptimo arte.

La película de 1960 fue adaptada para la pantalla grande de la novela homónima de Robert Bloch, que había sido publicada un año antes.

Se caracterizó por presentar no uno, sino dos grandes giros argumentales que ocurrían en la mitad de película y en el impactante final. Hitchcock se tomó muy en serio el hecho de evitar que los secretos se divulgaran. 

En el trailer original hasta pedía: “No revelen el final –es el único que tenemos”.
  
De más está decir: hay spoilers

Pero seamos honestos, hablamos de una cinta de más de 50 años con un final que todo el mundo conoce gracias a la osmosis pop-cultural, incluso si pocos realmente vieron la película.

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Psicosis en pocas palabras

Psicosis arranca como un thriller de cine negro: Marion Crane (Janet Leigh) es una secretaria que ve la oportunidad de escapar con una importante suma de dinero que le fue dada para depositar en el banco.


Luego de dos días a través de Estados Unidos, sospechando de todo el mundo, termina parando en un desolado alojamiento bien lejos de la ruta: el motel Bates. Allí conoce a Norman Bates (inolvidable interpretación de Anthony Perkins), un nervioso joven que vive con su dominante madre en la tétrica casa detrás del motel.

A mitad de película se viene el primer giro, y uno de los más memorables del cine. Mientras Marion está dándose una ducha en su habitación, alguien se acerca con un cuchillo y la asesina brutalmente en la bañera. Escena que, acompañado de su mitológica música, ha sido parodiada en miles de ocasiones después.

Ella era la protagonista, una actriz súper conocida que debía ser la gran estrella de la película. Sin embargo, todo el tiempo invertido fue en vano, porque está bien muerta. Mientras tanto, el dinero robado reposa, envuelto en papel de diario, sobre la mesa de luz.

Luego Psicosis tiene un cambio radical de género, convirtiéndose en algo más cercano al terror psicológico. El resto de la historia sigue a Norman Bates escondiendo el cuerpo (hasta entonces creemos que fue su madre quien mató a Marion). La sumerge en un pantano, junto con el auto, las pertenencias y el dinero robado.

La hermana de Marion contrata a un detective privado para investigar el asunto (quien también termina siendo víctima del asesino). Aparentemente, lo madre loca y posesiva mata a todas las mujeres en las que Norman se interesa, o a quien se cruce en su mano. Sin embargo, acá se viene el giro #2.

Creo que no es una sorpresa para nadie decir que la madre de Norman estaba muerta desde hace años (la mató él mismo). Norman tiene doble personalidad, y una de sus personalidades (la que está empezando a aflorar con cada vez más fuerza) es el costado más dominante de la madre. 

Fue Norman, bajo la influencia de su costado maligno, quien realizó todos los asesinatos.

Esta no es la primera ni la única película que ataca la cuestión de las múltiples personalidades, y ciertamente otras lo han hecho mejor. Pienso en Fragmentado (recientemente la analicé en detalle en el blog) o en Identidad, Primal Fear y Mr Brooks.

Algo que me molesta especialmente de esta película es la gran cantidad de exposición que se da al final, cuando el psicólogo explica literalmente lo mismo que todos entendimos al ver desarrollarse la historia. La escena final con la cara de Norman Bates es fantástica, pero esos quince minutos de exposición llana son insoportables y le bajan bastante el nivel.

La franquicia de Psicosis

Naturalmente, una película tan vanagloriada por todos iba a recibir secuelas y continuaciones. De hecho, existen y están todas protagonizadas por Anthony Perkins (si bien Hitchcock no participó de la franquicia).
  • Psicosis II (1983) –Norman Bates sale del psiquiátrico 22 años después. La personalidad de su madre lo sigue acosando.
  • Psicosis III (1986) –Una monja, un reportero y un viajero están de nuevo en el infame Motel Bates. Cuando Norman se enamora de la monja, su “madre” se pone especialmente celosa.
  • Psicosis IV (1990) –La obligada precuela que relata los inicios de Norman con su abusiva madre y el momento en el que heredó el desorden de doble personalidad.



En 1987 hubo también una película para TV que está “fuera del canon”: Bates Motel. Involucra a un hombre llamado Alex que supuestamente se hizo amigo de Norman mientras éste estuvo institucionalizado. Al salir, Alex se entera de que Norman (muerto en esta versión) le dio el hotel en herencia.

En 1998 Gus Van Sant dirigió una remake prácticamente hecha escena por escena, con Anne Heche y Vince Vaighn en los roles protagónicos. Como es tan igual a la original (si bien en color) la mayoría la consideró innecesaria y hasta inferior. Hay algunas diferencias. La muerte de la ducha es distinta en tono, aunque el resultado es el mismo, y también vemos al Norman de Vince Vaughn masturbándose, algo que en la original se manejó con más sutileza.

Hitchcock, del año 2012, está interpretada por el gran Anthony Hopkins y es una suerte de ficción bio-pic sobre la realización de Psicosis. Esta sí es interesante.

Por último, tenemos la serie de TV Bates Motel (que estrenó en el 2013) y una precuela que salió por A&E Network. Toda una franquicia que sigue viva –si bien respirando con dificultades– hasta el día de hoy.

La influencia en el slasher

Si bien Psicosis no es una cinta de terror slasher como lo serían, años después, las de Jason, Fredy Krueger y el resto de la banda, muchos consideran que el inicio del subgénero se encuentra acá.

Sin duda, la inmensa popularidad de Psicosis fue una clara influencia en el venidero cine de terror sobre asesinos seriales que caminan a velocidades abismales y matan a adolescentes sobrecargados de hormonas. La película codifica, en su segunda mitad, algunos de los elementos fundamentales que se volverían típicos en el género.

Además de introducir a personajes simpáticos que mueren de formas violentas e inesperadas (como es el caso de la rubia y hermosa Marion Crane), la historia empujó un poco más los límites de lo sexualmente permitido por la época.

Junto a las películas de misterio y crimen italianas de los ´60, Psicosis abrió el camino para la aparición de un género caracterizado por la sexualidad y la brutalidad sangrienta de un asesino serial.

Luego vendrían The Texas Chainsaw Massacre (1974) y Black Christmas (1974), ejemplos más tempranos del slasher americano.

Cine puro de Hitchcock

Psicosis no solo es la película más grande de Hitchcock por su popularidad, sino porque además tiene todos los clásicos elementos hitcockianos.

Veamos:

El cameo: el director regordete tiene su cameo, como en todas sus producciones. En este caso, aparece afuera del banco donde Marion trabaja, vestido con un sombrero de cowboy. Eligió aparecer al principio para no distraer al público cuando la película está más avanzada (y requiere mucho más atención a las pistas que va dejando). Por cierto, el director de la remake (Gus Van Sant) aparece haciendo un cameo en la misma parte de su propia película.

El MacGuffin: el dinero robado es nada más que un elemento motivacional que dispara el conflicto. Las expectativas de la audiencia son arrojadas por la ventana cuando la protagonista muere y el dinero no sólo no se devuelve, sino que además queda enterrado junto a ella. Es notable también que el dinero funcione como una pista falsa, porque sabíamos que Norman estaba prácticamente quebrado y éste le habría venido muy bien. 

(Por cierto: para entender mejor qué es un MagGuffin, tengo esta notita dando vueltas.)


Hay otros elementos típicos de Hitchcock sobre los que no vale la pena explayarse: la rubia protagonista, el estilo de policial negro, el giro argumental final, la simbología con animales (Norman Bates era taxidermista), etc.

Una interpretación del desenlace

Sin contar la insufrible disertación del psicólogo sobre la condición de Norman Bates, una exposición tan obvia como innecesaria, el desenlace de la película es fantástico.

Hitchcock deslizó una imagen del cuerpo de la madre fusionándose con el asesino en una escena que, si pestañeás, te la perdés. Hay un momento muy chiquito en el que la cara de Norman se ve así:


En efecto, la última vez que vemos al tipo que asegura que “no le haría daño ni a una mosca” es con una yuxtaposición con el cadáver de su madre, indicando que ahora las dobles personalidades finalmente son una sola, y el asesino está en su forma completa, sin ataduras ni restricciones.

De algún modo, a lo mejor fue la manera que encontró Hichtcock de decir que todas las secuelas donde el psicópata de Norman Bates se convierte en un (anti)héroe son una porquería.

Palabras finales

El tema central de Psicosis lo resume Norman durante uno de sus momentos más lúcidos. Hablando con Marion sobre los pájaros enjaulados (los animales son un gran simbolismo en la historia), dice:

«I think that we're all in our private traps, clamped in them, and none of us can ever get out. We scratch and we claw, but only at the air, only at each other, and for all of it, we never budge an inch.»

Es exactamente como él se siente, atrapado en un cuerpo que no puede controlar. Es un pequeño momento hermoso que nos acerca a la mente de un psicópata, a un tipo que, en definitiva, se siente atrapado por no poder actuar como le gustaría, por no poder soportar sus impulsos asesinos.

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